Project 35 第二部份-策展人簡介

碧希.希爾法(Bisi Silva)
1962年生於奈及利亞拉各斯(Lagos),為獨立策展人,現居和工作於拉各斯與倫敦兩地,並擔任奈及利亞拉各斯當代藝術中心的創始人與館長。作為拉各斯當代藝術中心的館長,她於2007年策劃了《Fela, Ghariokwu Lemi》以及《唱片封面藝術》(the Art of the Album Cover),2008年《Waka-into-Bondage: The Last ¾ Mile》、《喬治.奧思迪,失樂園:重訪尼日爾三角洲》(George Osodi, Paradise Lost: Revisiting the Niger Delta),2009年《Like A Virgin… Lucy Azubuike and Zanele Muholi》。2006年,希爾法參與策劃塞內加爾《達喀爾雙年展》(Dakar Biennale),於2009年她參與策劃第二屆希臘《塞薩洛尼基當代藝術雙年展》(Thessaloniki Biennale of Contemporary Art)。在2008年,她和葡萄牙策展人伊莎貝爾卡洛斯(Isabel Carlos)評選了威爾斯的國際藝術家獎「Artes Mundi 3」。此外,她也曾參加了許多當地及國際研討會和會議,為國際藝術雜誌和期刊撰稿,如《Agufon》、《Artforum》、Artinfo.com,《Art Montyly》、《Untitled》、《Third Text》,和《M Metropolis》。她同時也是國際女性主義藝術雜誌《N Paradoxa》的編委。

安東尼.哈伯曼(Anthony Huberman)
1975年生於瑞士日內瓦,身兼策展人和作家,現居住和工作於紐約。作為聖路易斯當代藝術館的首席策展人,他策劃過格迪.席波尼(Gedi Sibony)、盧茨.巴切爾(Lutz Bacher)、布魯斯.諾曼(Bruce Nauman)、約翰.阿姆雷德(John Armleder),和奧利佛.莫塞特(Olivier Mosset)的展覽,目前正在進行中系列展《前室》(The Front Room)。而他所策劃的聯展則有:《盲人在漆黑的房間內尋找不在那的黑貓》(For the blind man in the dark room looking for the black cat that isn’t there),此展巡迴了幾個城市,倫敦、底特律、阿姆斯特丹、里斯本。此外,他曾在巴黎東京宮和紐約長島市的雕塑中心(Sculpture Center)擔任策展人。他的文章見於藝術期刊《Artforum》、《Afteral》,和《DotDotDot》。他還協同指導在紐約舉行的短期系列展《The Steins》。

丘絲.馬汀妮斯(Chus Martinez)
1972年生於西班牙加利西亞,目前在巴塞隆納當代美術館(Museu d’Art Contemporani de Barcelona)擔任首席策展人,並共同策劃2010年第29屆《聖保羅雙年展》。她於紐約哈德遜安南岱爾的巴德學院(Bard College)修習策展學碩士,並參與經營布魯克林威廉斯堡的帕克波克斯藝廊(Parkers Box)。在2001-02年間,馬汀妮斯參加了 Sala Montcada畫廊在巴塞隆納「la Caxiac」基金會裡所舉行為期一年的計劃,主要內容是檢視這家藝術機構的未來。2002至2005年間,她擔任西班牙畢爾包 Sala Rekalde的藝術總監,2006至2008年擔任在德國法蘭克福藝術協會(Frankfurt Kunstverein)總監 。2007年弗雷茲藝術博覽會(the Frieze Art Fair)中,以法蘭克福藝術協會的名義執行了《自信的美好》(A Delicious Feeling of Confidence)計劃,把脫口秀的概念運用於藝術展演中。

露斯.奧爾巴赫(Ruth Auerbach)
1953年生於德國杜塞爾多夫,身兼視覺藝術研究者、當代藝術策展人和藝評,現任委內瑞拉首都加拉加斯 Sala Mendoza 藝廊的總監。81年至86年間於委內瑞拉中央大學完成學業。她曾策劃多個展覽,著重於委內瑞拉的當代藝術,包括1994年加拉加斯的 Alejandro Otero美術館《Trasatlántica, The America Non Representativa》,2001年加拉加斯國立美術藝廊《Utópolis》、2002年德州休斯頓社區大學 《亞當和夏娃早就沒住這了!》(Adam and Eve no longer live here, anymore!)、 2005年委內瑞拉當代藝術博物館《Transatlantica: The America-Europa Non-Representativa》、2007年倫敦波利瓦中心(Boliver Hall)《雙重觀點:七位委內瑞拉當代藝術家》(Double Perspective: 7 Contemporary Artists from Venezuela),2008年倫敦麥道克斯藝術藝廊(Maddox Arts)。她曾撰文於《赫果全集1955-1990》(Obra Completa, 1955-1990)、《艾烏赫尼歐》(Eugenio Espinoza)及其他畫冊與專論。

楊.卡羅夫斯基(Yane Calovski)
1973年生於馬其頓的斯科普里(, Skopje),為藝術家和策展人,目前生活和工作於斯科普里。他的創作結合了寫作、繪畫、錄像、公眾行動、出版品、裝置和策展計劃,他的作品最近一次在國際上發表是在2009年德國科隆的歐洲人藝廊(European Kunshalle)的個展和2008年義大利的《Manifesta 7》。他是馬其頓的斯科普里「按下離開計劃空間」(press to exit project space)和當代藝術期刊《D(D is for Drawing)》的創辦人和藝術總監 。他1992-96年就讀於美國費城賓州美術學院,1996-97年佛蒙特州的班寧頓學院(Bennington College),1999-2000在日本九州當代藝術中心,以及2002-04年在荷蘭馬斯特里赫特的凡艾克學院(Jan van Eyck Academy)參加了研究工作室計課程。2010年為英國泰德美術館「當代藝術社會的百週年紀念計劃」進行新的展覽《PONDER PAUSE PROCESS (A SITUATION)》。

迪克莎.娜絲(Deeksha Nath)
1976年生於孟買,為獨立評論家和策展人,現居住和工作於新德里。她是查爾斯華萊士獎學金(由 Charles Wallace India Trust 成立的獎學金,該基金由英國文化協會監督)所資助的學者,於印度巴羅達Maharaja Sayajirao 大學、倫敦城市大學(City University)以及歌德史密斯學院完成美術學業。她2007年在倫敦 Grosvenor Vadehra藝廊策劃了《鏡屋》(House of Mirrors),2008年在印度古爾岡德維藝術基金會(Devi Art Foundation)的《靜態 /動態影像》(Still/Moving Image)。她也合作策劃了上海亞太當代藝術博覽會的「驚喜發現」(Best of Discovery)單元,2009年新德里Anant藝術畫廊《浸入》(Immersions),和加爾各答比拉藝術與文化學院(Birla Academy of Art and Culture) 的《存在的驚異》(Astonishment of Being)。目前為紐約《Art AsiaPacific》雜誌以及《ArtEtc》的編輯,她的文章也在各種書籍、展覽目錄、國家和國際雜誌和期刊上發表,先前她也曾擔任網絡雜誌 www.craftrevivaltrust.org 的主編 。迪克沙過去也曾為倫敦泰德美術館,和新德里當代美術館工作。

李永財(Weng Choy Lee)
1963年生於馬來西亞吉隆坡,目前居住和工作於新加坡。他是一位藝評,並擔任國際藝評協會(International Association of Art Critics)新加坡分部的主席。在此之前,他是變電站藝術中心(The Substation)的協同總監。目前為奧沙藝術基金會(Osage Art Foundation)的計劃、研究和出版品主任。他也曾開授藝術和文化研究的課程,主持國際研討會,並有許多關於當代藝術的著作,目為為新加坡蘇富比藝術學院(Sotheby’s Institute of Art)的顧問講師。

漢斯.奧瑞奇.奧伯里斯特(Hans Ulrich Obrist)
1968年生於瑞士蘇黎世,目前居住和工作於倫敦,為蛇形畫廊(Serpentine Gallery)展覽與計劃協同總監,以及國際計劃總監。1993年至2000年間,他是維也納前進美術館(Museum in Progress)的策展人,2000年至今擔任巴黎市立當代美術館的策展人。自1991年以來,奧伯里斯特曾策劃及協同策劃的個展、聯展和雙年展多達兩百多檔,包括1991年《世界湯》(World Soup)、1993年《卡爾頓宮酒店》(Hotel Carlton Palace)、1994年《衝吧!》(do it)、1995年《選我,我屬於你》(Take Me, I’m Yours)、1996年《Manifesta 1》、1996年《活著/生活》(Live/Life)、1997年《移動城市》(Cities on the Move)、1998年《白夜》(Nuit Blanche)、1998年第一屆《柏林雙年展》、1999年《Laboratorium》、2003年《烏托邦站》(Utopia Station)、2004年《達喀爾雙年展》、2005年第二屆《廣州三年展》、2005年和2007年第一及第二屆《莫斯科雙年展》、2007年《里昂雙年展》、2008年《橫濱三年展》。2007年,漢斯.奧瑞奇.奧伯里斯特為「曼徹斯特國際藝術節」協同策劃《Il Tempo del Postino》,這項計劃2009年也在巴塞爾展出,由巴耶勒基金會(Fondation Beyeler Art Basel)和巴塞爾戲院(Theater Basel)策劃。在同一年,凡艾倫學院(Van Alen Institute)授予他2007-08紐約高級研究員年度獎。2008年,他在格拉納達的羅卡之屋(Lorca House)策劃了《Everstill》。他目前擔任《Abitare Magazine》、《Artforum》,和《Paradise Magazine》等雜誌的特約編輯。

 

客座作者

瑪麗亞.卡門卡里翁(María del Carmen Carrión)
1976年生於厄瓜多的伊瓦拉(Ibarra),為策展人、作家和文化顧問,現居住和工作於基多(Quito)和舊金山兩地。她是基多ceroinspiración(為一展覽,也是藝術村)的共同創始人,最近她在那策劃了展覽《Paco Gruexxo vs El Hombre Foca》。她曾在卡薩德拉當代藝術博物館(Museo de Arte Moderno Casa de la Cultura)擔任助理策展人,以及市立美術館(Museo de la Ciudad)的研究員,兩機構都位於基多 。2005年,她自加州舊金山藝術學院取得藝術策展碩士學位。2005年到2008年間,她在非營利的藝術空間「新蘭頓藝廊」(New Langton Arts)擔任助理策展人,在那策劃了幾個聯展,包括:2006年《循環檔案》(The Revolving Archive)、2006年《無從捉摸的材料》(Elusive Materials)、2006年《五生境:蘭頓佔屋》(Five Habitats: Squatting at Langton)、2006年《無常》(Nothing Stands Still)、2007年《關鍵前景》(Critical Foreground),和2008年《小事終結,大事長存》(Small Things End, Great Things Endure)。她還策劃朱立歐.塞薩爾.莫拉萊斯(Julio César Morales) 的計劃「Tercerunquinto」,和皮特.尼爾森(Pete Nelson)的個展,並製作了艾德里安帕奇(Adrian Paci)新的影像作品。同時,她 在厄瓜多著手進行一個影像計劃「A La Carta」,與來自美國與南美洲的客座策展人合作,共同展示放映二十多個新興和中生代藝術家的錄像作品。2009年,她也推動的厄瓜多爾國家藝術補助金。

 

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Project 35 第二部份-藝術家簡介

山米.巴洛吉(Sammy Baloji)
1978年生於剛果民主共和國的盧本巴希,目前居住和創作在盧本巴希。2002至2005年間,於盧本巴希大學(Lubumbashi University)修習文學和資訊科學,2005年於法國斯特拉斯堡的巴黎高等裝飾藝術高等學院(Ecole Supérieure des Arts Décoratifs)學習攝影和錄像 。Baloji的作品曾在莫桑比克的Franco-Mozambican Maputo文化中心(2007年)、橫濱美術館(2008年)、法國波爾多MC2A(2008年),瑞士 Neuchatel 藝術中心(2009年),和巴塞隆那當代文化中心(2009年),和紐約的非洲藝術博物館(2010年)展出。此外,他也曾參與眾多藝術節和博覽會,其中包括第七屆的馬里《遇見非洲攝影》(2007年),《莫桑比克紀錄片影展》(2007年),法國歐巴涅國際影展(2007年),布魯塞爾當代藝術博覽會(2008年),約翰尼斯堡藝術博覽會(2009年),阿爾及利亞的「泛非節」(Panafrican Festival)(2009年)和北京藝術博覽會(2009年)。2007年在巴馬科(Bamako)舉行的第七屆《非洲攝影雙年展》獲得兩個獎項,分別是:影像獎(Image Award)和創作獎(Creation Award)。

哈拉德.希斯(Harald Thys)(1966年生於比利時Wilrijk) 和喬司.德.古魯特(Jos de Gruyter)(於 1965年生於比利時Geel)
現皆居住和創作於布魯塞爾。兩人共同創作的作品在許多重大的藝術節展出,包括2008年義大利《Manifesta 7》,同年在巴塞爾的《Liste 08》,第五屆柏林雙年展。此外他們的個展經歷包括:2007年安特衛普 MUHKA當代美術館,2008年柏林伊莎貝拉波特羅西藝廊(Isabella Bortolozzi),2009年布魯塞爾Dependence藝廊,以及2010年巴塞爾美術館。聯展部分:2005年由哈拉爾德.塞曼(Harald Szeemann)策劃、於布魯塞爾藝術中心(Bozar)展出的《Belgique Visionnaire》,隔年同樣於布魯塞爾藝術中心舉辦的《家庭事務》(Family Affairs)和2007年於法國 Castre&Alfi 藝術中心《Ricarda》。

安德莉亞.巴特納(Andrea Büttner)
1972年生於德國斯圖加特,現居和創作於倫敦與法蘭克福。2003年她於柏林洪堡大學取得藝術史和哲學碩士,現為倫敦皇家藝術學院博士候選人。其聯展經歷包括:2001年 柏林WBD藝廊《文本》(Text),2004年卡賽爾 Fridericianum 美術館《In erster Linie》,2006年倫敦霍克尼畫廊(Hockney Gallery)的《爛空間》(Shit Space),2008年倫敦霍利布什花園的《空間物種與其他作品》(Species of Spaces and Other Pieces),倫敦ICA的《Nought to Sixty》,以及2010年五月在倫敦Raven Row舉行的展覽。個展經歷包括:2008年在倫敦水晶宮和倫敦霍利布什花園,2009年在柏林Croy Nielsen畫廊,意大利博洛尼亞 Fabio Tiboni 畫廊和倫敦的SE8空間。2005-2007年間,她獲得波恩研究獎助金(Bonn Research Grant)繼續進修博士學位,2006年於德國Bad Tölz參與駐村,在2005年獲得了英國學院獎(British Institute Award)。

亞歷山大.阿伯斯托(Alexander Apóstol)
1969年生於委內瑞拉,現居創作於卡拉卡斯與馬德里二地,於委內瑞拉中央大學(Central University)修習藝術,並於里卡多阿姆斯學院(Ricardo Armas School)修習攝影。個展經歷包括:1994年委內瑞拉的蘇菲亞安貝當代藝術館(the Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber)、 2002年哥斯大黎加的當代設計藝術館(Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica)、 2004年委內瑞拉的沙拉曼多扎藝廊(Sala Mendoza),以及 2006年西班牙的薇瑞伊娜宮展覽中心(Palau de La Virreina)。聯展經歷包括:2000年紐約巴里歐藝廊(El Museo del Barrio)、2003年美洲之家(Casa de América)、2005年西班牙的卡斯提亞里昂當代藝術館(Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León),以及許多國際藝術展包括:1997年《哈瓦那雙年展》、 2001年卡拉卡斯《美洲巴羅雙年展》(Bienal de Barro de América)、2002年《聖保羅雙年展》、2003年《伊斯坦堡雙年展》、2003與2005年《布拉格雙年展》、2004年厄瓜多《昆卡雙年展》(Cuenca Biennial)。此外,阿伯斯托於2002年在馬德里美洲之家駐村。2003年,得到西班牙恩德薩當代藝術獎學金(Spain’s Endesa Scholarship for Contemporary Art)。2004年,得到厄瓜多第七屆昆卡國際雙年展首獎。

丹妮爾拉.帕斯.李奧(Daniela Paes Leão)
1974年生於葡萄牙科英布拉(Coimbra),工作與生活在荷蘭阿姆斯特丹。1999年於葡萄牙波爾圖大學(University of Porto)取得美術學位。她的跨領域作品曾於多個聯展中展出,包括:2000年葡萄牙Teatro Taborda的《Arte non Stop》、2005年烏拉圭Harto-espacio的《Lengua Romace》、2007年荷蘭藍屋的《Evolution de l’Art》、2008年義大利與英格蘭1:1計劃空間(1:1 Projects)的《越界女人》(Women Beyond the Verge),以及烏克蘭當代藝術中心的《家庭故事/參與者》(Homestories/Participants)。她參與過的駐村計劃包括:2000年美大利皮斯特萊托基金會(Fondazione Pistoletto)的UNIDEE、2003年以色列Arting Jerusalem、2005至2006年阿姆斯特丹藍屋,以及2006年法國Aubervilliers。2008年獲得歐洲文化基金會的研究獎助。

倫比爾.卡雷卡(Ranbir Kaleka)
1953年生於印度的旁遮普邦(Punjab),生活和工作於新德里。1987年獲倫敦皇家藝術學院碩士。卡雷卡曾於紐約Bose Pacia藝廊個展(2005、2008、2009),也曾在許多機構和國際展覽展出,包括洛杉磯當代藝術博物館(2004)、威尼斯雙年展(2005)、邁阿密的巴塞爾藝術博覽會(Art Basel)(2006)、美國加州柏克來美術館和太平洋電影資料館(2006)、瑞士伯恩美術館(Kunstmuseum Bern)(2007)、伊利諾伊州芝加哥文化學院、(2007)、韓國國家當代美術館(2008),和西班牙Cristóbal Gabarrón博物館基金會(2009)。他曾於加州薩拉託加(Saratoga)蒙塔爾沃藝術中心(Montalvo Arts Center)駐村(2004),並曾於新德里的德里藝術學院(Delhi College of Art)任教。

何子彥(Ho Tzu Nyen)
1976年出生於新加坡,現居住和創作於新加坡。2002年他於墨爾本大學獲得學士學位,後於新加坡國立大學取得東南亞研究碩士學位。何子彥曾於參與2004年巴西第26屆《聖保羅雙年展》、2005年日本第三屆《福岡亞洲三年展》、2006年《新加坡雙年展》。此外,他的影像作品也受邀參與2004年曼谷國際影展、2004年香港國際影展以及2009年的坎城影展。他的影片〈這裡〉(Here)在坎城的「導演之夜」活動首映。他的學術成就與藝術創作得到的獎項包括:1999年「德希達展覽獎(Jacques Derrida Exhibition and Prize)、2001年「展望世界繪畫比賽(Eye on the World Painting Competition)、2001與2002年「NOKIA藝術獎(Nokia Arts Awards),以及2009年「新加坡藝術文化優秀青年獎(Singapore Youth Award for Arts and Culture)。

史蒂芬.薩特克利夫(Stephen Sutcliffe)
1968年生於英國格拉斯哥,現工作和創作於格拉斯哥。2002年的格拉斯哥藝術學校獲藝術創作碩士。個展經歷包括2005年在舊金山的泰德當代美術館(Tart Contemporary)、2008年倫敦當代藝術學院、2010年倫敦丘比特畫廊。國際聯展經歷包括:2005年希臘雅典的Els Hannappe藝廊、2007年倫敦伏爾泰空間(Studio Voltaire)、2008年紐約Art in General空間,以及2009年格拉斯哥當代藝術中心。他的兩個影片,2003年的〈來至邊緣〉(Come to the Edge)和2004年的〈變形〉(Transformations),2005年於英國泰特美術館《Art Now Lightbox》系列展展出。

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Project 35 第二部份-作品簡介

放映區

電視放映 (1月15日~1月30日)
投影間(2月9日~2月20日)

 

解析 Project 35

透過創造廣闊的策展人與機構的互助網絡,ICI已累積了象徵資本,讓越來越多優秀展覽能夠流動展出。Project 35是一項單頻道錄像展覽計劃,由35位國際策展人分別選出35位藝術家的作品。這項計劃可同時在不同的空間展出。這種可繁衍與散播的能力,讓ICI有機會探索廣大遙遠的觀眾,讓他們以幾乎接近於大眾媒體的規模,共享相同的視覺經驗 …more »

 

作品簡介

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山米.巴洛吉 Sammy Baloji
記憶 Memory
單頻道錄像,彩色,有聲,14分
2006
藝術家提供

由碧希 .希爾法(Bisi Silva)選出

缺席、在場,重申空間、重新置入身體、猶記過往且勿忘當下,這類的主題瀰漫在剛果藝術家山米.巴洛吉的作品中,一方面藝術家選擇使用有力、訊息豐富的攝影以及錄像去挖掘歷史背後的真相,另一方面,巴洛吉試圖補捉他的家鄉-剛果民主共和國的卡坦加區(the Katanga region)裡的現實和矛盾。如同英國藝術家史帝夫.麥昆(Steve McQueen)的半寫實作品〈Gravesend〉,巴洛吉把作品〈記憶〉的焦點放在環境的剝削和人們承受的苦難。與此相關的一系列攝影拼貼同名作品〈記憶〉(2006)中,我們看見曾經繁榮的礦業城,如今荒蕪的景觀裡充斥著工業荒地裡荒廢的建物,疊加於荒廢廠房和生鏽鷹架彩色影像上的,是當地原住民被迫離開家鄉至礦場工作的黑白照片記錄。在〈記憶〉這件錄影作品中,藝術家和剛果獲獎的現代舞者法斯丁.林耶庫拉(Faustin Linyekula)合作,影片敘事從殖民時代的靜止影像到當下後殖民時代的現實,從剛果獨立後國家領導人的演講開始,隨著一個個未實現的承諾的聲音,交織著法斯丁.林耶庫拉哀愁式的節奏及舞蹈,如同對在礦區裡、也是剛果當時的經濟中心裡出生、生活到死去的一個個靈魂的隱喻。
-碧希.希爾法

 

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喬司.德.古魯特與哈拉德.希斯 Jos de Gruyter and Harald Thys
布蘭斯特的泥土 Der Schlamm von Branst
2008年
單頻道錄像,彩色,有聲
20分鐘
藝術家和柏林波特羅西藝廊以及布魯塞爾 Dependence 藝廊提供

由安東尼.哈伯曼(Anthony Huberman)選出

比利時藝術家喬司.德.古魯特和哈拉德.希斯的作品無情地沉默。他們錄像作品的沉重感來自語言和事件的缺席,但另一方面他們感到這種作法中帶有由衷和人性的幽默和親切感。〈布蘭斯特的泥土〉這件作品是關於一群人在一個沒有窗戶的泥塑工作室裡,所發生的無所意指的故事。他們站著不動,如同他們周圍桌上或基座上半成形的雕塑形體。他們說話,卻只是呻吟和嗚咽,如同困在溝通的障礙中,或試圖說出那些對象物的未知語言。影片中的空間是個創作的地方,人在其中創造藝術,但在其中的男女似乎都失去了掌控那些事物的能力和權力。這一切都讓人覺得可悲,可悲到好笑,然笑聲中卻又有種不可思議的熟悉感。沒有言說什麼,古魯特和希斯提醒著在這個充斥速度、講求效率、連結網落的資訊世界下的疲憊和動力喪失,事實上,他們若回應約翰.凱吉的這句話: 「我正說著我沒有什麼好說的」(I Have Nothing To Say And I Am Saying It),他們可能會說:「我有話要說,可我沒說。」(I have something to say, and I’m not saying it.)
-安東尼.哈伯曼

 

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安德莉亞.巴特納 Andrea Büttner
小小創作 Little works
單頻道錄像,彩色,有聲,10分45秒
2007
藝術家提供

由丘絲.馬汀妮斯(Chus Martinez)選出

〈小小創作〉將焦點放在倫敦諾丁丘天主教加爾默羅聖母會的修女。由於巴特納不被允許在教會中攝錄,所以藝術家請修女自己以手持錄像器材拍攝下她們的日常生活和業餘時間所從事的小活兒,從編織籃子到宗教圖標。這些樸實的手工藝品讓她們看來像未受藝術與世俗生活打擾,而這些修女們在影片中也像是被展示在教會中聖像般的裝置。
在對話中,這些修女熱衷於談及他們的生產、日常生活、以及展出。他們透過錄影機去建立了自己和他們的社群以及外在世界的聯繫,這樣的主題並沒有特別去美化教會的實質內部,而是藝術家在這個創作中藉著探討這個物理空間所具有的象徵意義,像是至今在藝術和文化仍然可見的宗教價值、觀念、流傳下來的感情、偏見等。
巴特納經常使用引用與宗教內涵以探討所謂我們對於藝術的期望。例如,藉著揭露當代藝術和傳統工藝間的張力,她質疑「藝術是俗世知識」的這種根本理解。
現時今日,大多數人認為當代藝術和文化在一個與宗教無關的世俗舞台上蓬勃發展,然後現代主義埋葬了(而非消除了)幾世紀以來的神學邏輯,以及其所給予人們獨特的世界觀(Weltanschauung)。巴納特運用當代藝術提供的空間,試著去發掘這些隨著時代發展而來的議論,以重新思考,當人們若重回宗教擁抱時所面臨的兩難與僵局。
–丘絲.馬汀妮斯

 

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亞歷山大.阿伯斯托 Alexander Apóstol
解放者大道 Av. Libertador
單頻道錄像,黑白,有聲,4分30秒
2006
藝術家提供

由露斯.奧爾巴赫(Ruth Auerbach)選出

委內瑞拉藝術家亞歷山大.阿伯斯托使用攝影和影像作為概念策略,探討「現代性」這個理念,以及他所見之世界所實現的殘缺現代性,二者之間的歷史矛盾。他的鏡頭從風景到建築,從記憶到身體,以及身份認同意識,試圖質疑並推翻這些已被普遍接受的「真實」的概念,以及公共、私人領域之間的界線。
他最近的作品檢視了拉丁美洲城市現代化的失敗,尤其是在他的家鄉,他同時也挑戰了人民被灌輸秩序與進步就是烏托邦模式之思想所造成的不幸後果。從這系列的紀錄攝影和錄像中,我們可以看見阿伯斯托呈現了一個都市形象的型錄(inventory),去帶出當代的城市居民如何在這毀壞的社會結構中生存。
在〈解放者大道〉中,藝術家避開了傳統的影像敘事方式,轉而採用了幽默諷刺的紀實性採訪為手法。「解放者大道」是當地的重要幹道,為委內瑞拉加拉加城的現代化進程中的重大建設之一。影片初始,我們看見繁忙的公路景象,視覺和文本的編碼交織成他影像文本中的曖昧特性。接著鏡頭一轉,我們看見各樣的變性者們在夜晚的時候佔據了這條道路,阿伯斯托以攝影機記錄了他們的閒聊,聲稱是委內瑞拉當代藝術人物,例如現代風景畫家阿曼多.瑞威隆(Armando Reverón)和動態藝術家吉格(Gego)。這種「挪用」是擬彷道路兩側牆上抽象、華麗的風景壁畫。這座城市和它的人民被區分開來,在意識型態上為文化差異與社會邊界所畫分。透過隱喻,阿伯斯托揭露了一個城市的兩種型態居民所面對的兩極分化。
-露斯.奧爾巴赫

 

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丹妮爾拉.帕斯.李奧 Daniela Paes Leão
質疑的自由 The Freedom to Question
單頻道錄像,彩色,有聲,22分鐘
2008年

由楊.卡羅夫斯基(Yane Calovski)選出

與其作為一個觀察者,我選擇成為一個見證者,其中的原因不只是大家要求我這麼做,而是我了解它是一種態度,並帶來了個人意義上的轉變,這是我唯一能做些什麼的方法。
—-丹妮爾拉.帕斯.李奧〈質疑的自由〉

〈質疑的自由〉是一個需要不斷聆聽和閱讀的作品。長達22分鐘的混雜著獨白和對話,質疑政治化的服務(hospitality)。
我們的貫注聆聽讓整個觀看的過程變得更加完整,我們集體的目光見證了一個奇特的文化交流。從2007年11月7號以來的六個月期間,荷蘭藝術家,同時身為「藍屋」(Blue House)(阿姆斯特丹郊區的計畫社區)之創立者珍.范.何絲薇吉(Jeanne van Heeswijk),和歐洲文化基金會的藝術計劃執行者伊構爾.道柏里希(Igor Dobricic),他贊助何絲薇吉每週三交換辦公室的計畫,藉著這個舉動去提出一個問題:隨著身分、態度、以及決策的責任的互換,藝術在這裡頭如何去激發一種對於「服務」、信任與相互瞭解的新理解和實踐 。
當我們觀看著影片中何絲薇吉所稱的「概括和持續逃避隱固的自我認同,無止盡的差異化和躁動的空虛狀況」這樣一個奇特過程,我們被帶往一個更偏向當代荷蘭社會的兩極化文化脈絡裡。
帕斯.李奧達到了一種循著非線性、直接主觀敘事過程的紀錄情境。她達到了令人耳目一新的結果:去除表面理智的真實辯證,而這通常是與觀念紀錄相關的。透過與她長期合作的加拿大演員塔比薩.凱恩的旁白,〈質疑的自由〉有著一種畫外音,偶然見證某事的抽離經驗,這種偶然是我們應當經歷的。
–楊.卡羅夫斯基

 

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倫比爾.卡雷卡 Ranbir Kaleka
男子與小公雞II Man with Cockerel II
單頻道錄像,彩色,有聲,6分鐘
2004年
藝術家提供

由迪克莎.娜絲(Deeksha Nath)選出

倫比爾.卡雷卡(Ranbir Kaleka)的〈男子與小公雞II〉如同詩般:一位光頭男子帶著公雞,在作品中不斷重複出現,如唱和般也像影片中的斷句記號,出現在群鳥飛行、船隻航過、蛇類爬行與雷聲閃電交織等的短暫畫面之後。這件作品乍看之下簡單,每一個畫面都簡潔而神祕,無須提供敘事格局就能讓觀者深感著迷。比如,作品僅提供關於男子的文化、職業背景和個性的些許線索,場景僅僅是呈現海天交會的地平線,也沒有特定文化或地理特點的指涉。儘管這件錄像作品是在印度拍攝,卻沒有呈現任何特別能呼應印度的元素。
有些觀者會將這部作品解釋為對生命過程與循環的再現。而我自己解讀這件作品的方式則是去思考它呈現出來的雙重性,例如男子嘗試補捉這隻鳥的慾望,然他又無能將牠掌握住的窘境,針對這點,藝術家似乎是想傳達對於男性本能行為所加諸的複雜且沈重的文化與社會性判斷。〈男子與小公雞〉這件作品促使我討論在主流父權系統之外的陽剛特質,以及它與權力、暴力的關係。這件作品讓我想起了在我生命中所遇過的那些溫柔、慈愛、脆弱而充滿人性的男性,而非嗜血的動物/怪物、統治者/權謀者、居家能力低落者。最終,我們不再將兩個性別針鋒相對,而是讓那些被兩極化的權威論述排除在外的兩方特質同時浮現。
–迪克莎.娜絲

 

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何子彥Ho Tzu Nyen
第三集:唐大霧-最基進的姿勢 Episode 3: Tang Da Wu–The Most Radical Gesture (選自電視節目〈4 X 4–Episodes of Singapore Art〉)
單頻道錄像,彩色,有聲,23分鐘
2005
藝術家提供

由李永財(Weng Choy Lee)選出

2005年,何子彥於《新加坡藝術展》(Singapore Art Show)展出了作品〈4 x 4–新加坡藝術四部曲〉(4 X 4–Episodes of Singapore Art),嘗試於三種不同的平台來重新呈現四位新加坡藝術家的四件作品。此三種平台包含了:在新加坡藝術電視頻道上分四週播放共四集的系列節目,每集節目則分別介紹這四位藝術家的作品;於變電所藝術中心(The Substation Arts Center)舉辦藝術論壇;以及可摺的「立方體」明信片,上頭印有論壇與這四位藝術家、作品、電視節目等所有資訊。其中第三集的節目把焦點放在唐大霧(Da Wu Tang)充滿爭議的行為藝術上。他曾在一個大型藝術活動中穿著繡有「別付錢給藝術」(Don’t Give Money to the Arts)字樣的夾克接近新加坡總統身邊,並遞給他一張字條寫著「總統閣下,我是一個藝術家,我很重要」。然而,在這部紀錄片當中,觀眾們所看到不是典型的記錄片,而是該記錄片的「誕生過程」,例如片中我們可以看到導演與拍攝團隊爭辯著唐大霧那「最基進的姿勢」。
-李永財

 

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史蒂芬.薩特克利夫Stephen Sutcliffe
絕望 Despair
單頻道錄像,彩色,有聲,19分鐘
2009年
藝術家提供

由漢斯.奧瑞奇.奧伯里斯特(Hans Ulrich Obrist)選出

史蒂芬.薩特克利夫可以說是歐洲當代最有趣的年輕藝術家之一,主要的創作方式以短片的形式呈現,他去除線性敘事,把影像的片段當作拼貼的材料去創造一種對於現實的新連結、新關連以及新生產。
在製作〈絕望〉這件作品時,他採用了納博科夫(Vladimir Nabokov)1934年所創作的小說名稱,以及一貫的雙重敘事特性。薩特克利夫的作品以此面向為基礎,挑戰「影像作為拼貼」的特質。這部影片引領我們進入一趟以檔案影片片段、攝影素材、聲音、停頓與無聲構成的高密度層次與糾纏狀態的多次元旅程。
在我最近與薩特克利夫的訪談中,他提到這部影片參照了許多法斯賓達(Rainer Werner Fassbinder)的電影,特別是1978年法斯賓達也同樣改編過納博科夫的小說。如果薩特克利夫對過去的觀點一串永遠在溝通協商的歷史,那〈絕望〉這部影片同時為觀者暗示了一個多樣和多重的未來,充滿了隨機路徑以及連續不停、永無止境的秩與失序。
–漢斯.奧瑞奇.奧伯里斯特

 

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Project 35 第二部份-解析Project 35

透過創造廣闊的策展人與機構的互助網絡,ICI已累積了象徵資本,讓越來越多優秀展覽能夠流動展出。Project 35是一項單頻道錄像展覽計劃,由35位國際策展人分別選出35位藝術家的作品。這項計劃可同時在不同的空間展出。這種可繁衍與散播的能力,讓ICI有機會探索廣大遙遠的觀眾,讓他們以幾乎接近於大眾媒體的規模,共享相同的視覺經驗。

錄影的廣為傳播與流通,已讓這種媒體被市場所稀釋而迷失了方式,而這項計是劃回到錄像藝術剛萌芽時的基本核心原則。Project 35採用一種策展模式,能夠廣為散佈,共時展示,並具有國際性,這與另一種影片的生產與散播的模式比較起來,有著明顯的相似-也就是地下電影工業,有些諷刺的是,它是與盗版市場的出現同時發展的。

感謝科技的進步,讓影片製作更廣傳、更容易,我們見證了全世界另類影片產業的風起雲湧,從好萊塢到奈及利亞、厄瓜多。乘著這波國際盗版市場的快速擴張,這些產業很快地形成了全球網絡,以病毒傳播的速度相互滋養。最近一項關於厄瓜多地下影片產業的研究顯示,這些全靠自學的製片者,其視覺參照目標並非好萊塢,而是香港武打片、南韓肥皂劇、印度歌舞片,以及墨西哥的摔角片。

這種不受規範的推動力不但創造了另類產業,還創造了一個觀眾社群,他們灌輸自已來自錄影帶和電影的視覺意象。個人與社群生產影像的方式,以及流通和消費的方式,其邊界都被這種差異化的生態系統擴展得更為廣遠,我思忖著,如何從中學到什麼,並應用於策劃和散播展覽。
Project 35的形式是否可能召喚出一個國際視覺影像解讀者社群?這是否會是一個發現更多參與觀眾對這些作品提出新的閱讀方式的時刻,開啟對於「中心-外圍」關係以及動態影像政治潛力的開放討論?我想這巡迴展出的計劃,有可能是同時多場展覽,或許可建立一種把我們拉在一起的集體想像,並且可在這種媒材上發展出新的聲音。
-瑪麗亞.卡門卡里翁(María del Carmen Carrión)

註: 在每一部影片光碟介紹中,ICI會邀請一位策展人談談他們對於本計劃的想法,從他們自己脈絡思考,並提供新的「透視 Project 35」。

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Project 35 第一部份-策展人簡介

梅.亞布.艾爾達哈(Mai Abu ElDahab)
生於埃及開羅,現居住於比利時安特衛普,自2007年秋天擔任當地非營利藝術空間「客觀展覽」(Objectif Exhibitions)的藝術總監。她曾在此空間策劃蓋.班內(Guy Ben-Ner)、瑪莉安娜.卡司提羅.迪波(Mariana Castillo Deball)、 桑丘.席爾法(Sancho Silva)、麥可.史密斯(Michael Smith)、克里斯.伊凡(Chris Evans)、克斯坦.皮爾羅(Kirsten Pieroth)、和麥可.史蒂文森(Michael Stevenson)等多名藝術家的個展。此外她也是比利時根特市高等美術學院的常任客座講師,以及《領先雜誌》(A Prior Magazine)的編輯成員,並且參與倫敦當代藝術中心(Reading Group at the ICA)的讀書會。2006年,她在都柏林的藝術計畫中心(Project Arts Center)策畫了名為「菲利浦」(Philip)的展覽與出版品;編輯〈DOTDOTDOT 13〉與〈CAC Interviu 7-8〉,並且持續進行《領先雜誌》的編輯工作。同時她也成為紐約視覺藝術學校的客座講師,以及原本預定在塞普勒斯首都尼科西亞舉辦的《Manifesta 6:歐洲當代藝術雙年展》之策展團隊的成員,可惜的是本展後來在開展前臨時取消。2009年,她與菲利浦.皮洛特(Philippe Pirotte)共同在開羅的當代影像聯盟(the Contemporary Image Collective)策畫了展覽《亞倫.卡普羅之狂想》(A Fantasy for Allan Kaprow)。目前她在鹿特丹的皮埃沙瓦學院(Piet Zwart Institute)策畫該校2010年度的藝術碩士生畢業展。

片岡真實(Mami Kataoka)
1965年生於日本名古屋,現居工作於東京和倫敦,她是日本森美術館(Mori Art Museum)的首席策展人,同時也是倫敦海沃藝廊(Hayward Gallery)的協同策展人。她曾在森美術館策劃的展覽有: 《六本木交會點: 2004年日本當代藝術新視界》(Roppongi Crossing: New Visions in Contemporary Japanese Art 2004)、《小澤剛》( Ozawa Tsuyoshi )(2004年)、《關於笑》(All about Laughter)(2007)、《艾未未:根據什麼?》(Ai Weiwei: According to What?)(2009年)。在英國海沃藝廊,她策劃了《外國語言的笑》(Laughing in a Foreign Language)(2008)和宇治野宗輝的表演《Ujino and the Rotators》(2009年),並共同策劃《在我心中遊走》(Walking in My Mind)(2009年)。在此之前,1998至2002間,她擔任東京歌劇城美術館(Tokyo Opera City Art Gallery)策展人,策劃《釋放感官》(Releasing Senses)(1999年)、《宮島達男》(Tatsuo Miyajima)(2000)、 《里克里特‧迪拉瓦尼雅》(Rirkrit Tiravanija)(2002)等展覽。2007年於北京和廣州策劃《美麗新世界:當代日本視覺文化》(Beautiful New World: Contemporary Visual Culture from Japan),2009年於上海藝博會和《首爾平台》(Platform Seoul)協同策劃《發現:發現當代》(Discovery: discovering contemporary)。

凱瑟琳.史密斯(Kathryn Smith)
1975生於南非德班,現居於南非開普敦。於東開普敦 Stellenbosch大學視覺藝術系擔任講師。除了教學,她也在自己的工作室舉辦展覽,進行學術研究。史密斯的著作在南非和國際上皆有出版,另外,她曾為2005年《杜林三年展》(Turin Triennale)和2008年《雪梨雙年展》(Biennale of Sydney)擔任策展協調人,此外也參與公共討論及活動,並為這些展覽的出版品撰寫論述。她的研究興趣包括南非藝術中的犯罪學、攝影媒介、心理-地誌藝術策略,和南非的歷史性前衛和實驗/基進藝術實踐等。她最近在自己的工作室成立了一個非正式的計劃空間(project space),讓她自己或是受邀的藝術家展出由批判性思考與討論所相互激發的藝術實踐。

盧傑
1964年生於福建,1988 年畢業於杭州中國美術學院, 1999 年畢業于英國倫敦大學哥德史密斯學院(Goldsmiths College)藝術策展與管理碩士專業,2002年起擔任「長征計劃」(Long March Project)的總策展人,「長征」是一個綜合、多平台的國際藝術組織,也是一項進行中的藝術計劃,最初在中國沿著歷史上毛澤東的長征路線,發起與組織一系列於公共場域裡的展覽、表演、研討會和座談會。盧傑目前是香港「亞洲藝術文獻庫」(AAA)的顧問、溫哥華《Yishu》雜誌編輯委員。他策劃了許多當代藝術計劃與展覽,包括曾在國際巡展的「長征」系列:《一個行走中的視覺展示》(2002)、《延川縣剪紙大普查》(2004)、《長征延安計劃》(2006)、《長征唐人街》(2007)與《胡志明小徑》(2008至今)。盧傑曾於亞洲、歐洲與北美洲多個教育機構與美術館演講。

富蘭克林.瑟曼斯(Franklin Sirmans)
1969年生於紐約皇后區,目前居住與創作於洛杉磯,擔任洛杉磯郡美術館(LACMA,Los Angeles County Museum of Art)當代美術策展部門的主管與策展人。從2006年到2009年,他在休士頓的曼尼勒典藏館(Menil Collection)擔任現代與當代美術部門策展人,策畫的展覽有《新巫術:失落的信仰的藝術》(NeoHooDoo: Art for a Forgotten Faith),此展也巡迴至紐約的P.S.1美術館與邁阿密美術館;在此之前,他曾策畫曾於2005到2006年間巡迴至布魯克林美術館、洛杉磯當代美術館、休士頓美術館的《巴斯奇亞》(Basquiat)大展。近期,他協同策畫2009年在曼尼勒典藏館的《Steve Wolfe: On Paper》。 瑟曼斯在2007年獲得亞特蘭大高等藝術美術館頒發的大衛德勒斯凱爾獎(David C. Driskell Prize),並且在2009年獲得Rush Philanthropic藝術基金會(Rush Philanthropic Arts Foundation)頒發的滔金獎(the Gold Rush Award)。他也為許多展覽畫冊撰寫論述,以及在紐約時報、紐約《Time Out》、《Essence》、《Grand Street》等雜誌上發表文章與評論。

柔伊.柏特(Zoe Butt)
1976年生於澳洲紐卡斯爾,目前工作居住於胡志明市,在當地的獨立藝術空間 「Sàn Art」擔任執行策展人兼活動開發主任 。從 2001年到2007年,她擔任昆士蘭藝廊(Queensland Art Gallery)亞洲當代藝術助理策展人,亦於澳大利亞布里斯班協助策劃《亞太三年展》(Asia-Pacific Triennial of Contemporary Art),致力澳洲的亞洲當代藝術收藏和其他相關畫廊的藝術計劃。2007至2009年間,她曾任中國北京「長征計劃」的國際項目主任 。十餘年中,她一直致力於研究當代亞洲藝術並策劃相關展覽,也為各種國際藝術刊物撰寫亞洲的藝術動態。

康斯坦斯.萊沃倫(Constance Lewallen)
生於紐約,生活和工作於加州舊金山。在加州大學柏克萊分校美術館和太平洋電影資料館(Pacific Film Archive)擔任副策展人。1998至2007年,她策劃許多在地和國際巡迴展覽,包括《喬.布雷納德個展》(Joe Brainard)(2001年)、《觀者之夢:車學敬》(Dream of the Audience: Theresa Hak Kyung Cha)(2001年);《所有重要的事:保羅‧寇斯回顧展》(Everything Matters: Paul Kos, a Retrospective)(2003年); 2004年與史蒂夫‧賽德(Steve Seid)共同策劃《螞蟻農場 1968-1978》(Ant Farm 1968-1978)和2007年的《60年代的布魯斯.諾曼》(A Rose Has No Teeth: Bruce Nauman in the 1960s)展。 2009年她在聖塔摩尼卡美術館策劃《艾倫‧羅普絲柏格:你和我或施與受的藝術 》(Allen Ruppersberg: You and Me or the Art of Give and Take),也和凱倫‧莫絲(Karen Moss)於橘郡美術館共同策劃了《心靈狀態:70年代新加州藝術》(State of Mind: New California Art ca. 1970)展 ,於2011年開展。萊沃倫寫了許多論文和藝術文章,亦參與編訂〈車學敬作品選〉(Exileé and Temps Morts: Selected Works by Theresa Hak Kyung Cha)(2009)一書。

荷賽.羅卡(José Roca)
1962年生於哥倫比亞的巴蘭基亞城,現生活於哥倫比亞波哥大和美國費城,目前是費城《Philagrafika 2010》當代版畫計畫的藝術總監。從 1998年到2008年,他在波哥大共和銀行執掌藝術策展計畫 ,奠定其在拉丁美洲的重要性和使其成為最受尊敬的機構之一。此外,羅卡也曾擔任2004年波多黎各聖胡安(San Juan)的第一屆《複合/平面三年展》(Poly/graphic Triennial)、2006年巴西聖保羅雙年展、2007年the Encuentro de Medellín MDE 07、哥倫比亞喀他基那城的一系列藝術介入活動的協同策展人,同時也是2007年第52屆威尼斯雙年展獎項評委之一。

雷蒙達斯.瑪拉沙斯卡斯(Raimundas Malasauskas)
1973年生於立陶宛維爾紐斯(Vilnius),是作家和策展人,生活於巴黎。1995年到2006年, 他是維爾紐斯和CAC 電視台的策展人,2007年他與人合作撰寫歌劇《Cellador》並於巴黎上演。2007至2008年,以策展人身份參訪加州舊金山藝術學院(California College of Arts)。2007至2009年於紐約「藝術家空間」(Artists Space)擔任策展人。他的文字作品關注當代的種種現象,人物傳記和故事,同時觸及科學、媒體、電影、文學和大眾文化等領域。

 

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Project 35 第一部份-藝術家簡介

蓋.班納(Guy Ben-Ner)
1969年生於以色列,居住和工作於以色列特拉維夫。1997年,於以色列拉馬.哈沙朗(Ramat Hasharon)的漢米卓沙(Hamidrasha)美術教師學校取得學位後,後於2003從紐約哥倫比亞大學取得碩士學位。他曾先後於2003、2005、2006和2007年四年在紐約的Postmasters 藝廊,以及2006年於澳洲當代攝影中心(the Center of Contemporary Photography)舉辦過多次個展,參與過的聯展包括2003年紐約Postmasters藝廊的《摩比迪克》展(Moby Dick)、2004年費城 Vox Populi藝廊的《影像漫遊展》(Video Lounge)、2005年亦參與紐約當代美術館P.S.1的《大紐約》(Greater New York)展、以及2007年的德國《敏斯特雕塑展》(Skulptur Projekte Münster)。另外,他也曾參與2005年的,《威尼斯雙年展》、2008年《上海雙年展》、以及2008年的《利物浦雙年展》。2007年,蓋.班納獲德國學術交流中心(DAAD,the German Academic Exchange Service)授予在柏林駐村的機會,現為耶路撒冷比撒列藝術暨設計學校(the Bezalel Academy of Art and Design)的客座講師。

田口行弘(Yukihiro Taguchi)
生於日本大阪,畢業於東京美術音樂大學 ,現居於柏林。曾於2006年在荷蘭 Het Plafond藝廊、2007年於德國的Air Garten藝廊,以及2008年在日本廣島當代美術館舉辦個展。他曾參與的聯展包括2004年荷蘭《塞拉耶佛國際交流展》(the Sarajevo International Culture Exchange)、2006年荷蘭德雷赫特《影像》(Pictura)、同年於德國漢堡的《藝術場域》(Feld für Kunst),以及2007年於柏林 K:ITA 藝廊、2008年於柏林 Künste 藝廊,和荷蘭恩多芬臨時藝術中心(Temporary Art Centre)等地舉的聯展。更在2007獲頒「尋找現代的達文西國際藝術三年展」大獎(Hunt for This Century’s Leonardo da Vinci! International Art Triennale),2008年的亞洲數位藝術獎優秀賞(Asia Digital Art Award),和2008年第十二屆媒體藝術節優秀獎(Japan Media Arts Festival)。

丹.阿爾泰(Dan Halter)
1997年生於辛巴威哈拉瑞城,現居住和工作於南非開普敦。他2001年於開普敦大學米氏美術學院(the Michaelis School of Fine Art)取得學士學位。過去曾分別在2006年和2008於開普敦 João Ferreira 藝廊和米蘭的 Derbylius畫廊舉辦過兩次個展。此外,他也參與過各式性質的聯展,如:2006年的於南非開普敦國立藝廊(South African National Gallery)《首屈一指》(Second to None)、同年在澳洲墨爾本的《後浪潮藝術節》(Next Wave Festival)、 2007年柏林諾伊爾柏林藝術協會(Neuer Berliner Kunstverein)《南非當代攝影藝術展》(Zeitgenössiche Fotokunst aus Südafrika),和同年於聖保羅(São Paulo)的《巴西影像展》(VideoBrasil),以及2009年《哈瓦那雙年展》。2008年,丹.阿爾泰獲選南非電信贊助的新當代計畫(MTN New Contemporaries),先後在蘇黎世和里約熱內盧完成兩個藝術駐村計畫。

周嘯虎
生於1960年,江蘇常州人,現居住和工作於上海。他就讀蘇州藝術學院時主修雕塑,後於四川美大主修繪畫。曾分別在1989年於中國重慶四川美院、2002年於俄羅斯莫斯科中央藝術之家(Moscow Central House of Artist、2005年於紐約伊森科恩美術藝廊(Ethan Cohen Fine Arts),和2007年於芝加哥沃爾什畫廊(Walsh Gallery)舉辦個展。另外,他的聯展經歷則包括2002年的《上海雙年展》,2003年波蘭華沙 National Zacheta畫廊舉辦的《新環帶:中國藝術》(New Zone-Chinese Art)、和參與2004年在紐約現代美術館《中國,此刻》(China Now)、 2004年紐約國際攝影中心舉辦的《過去和未來間》(Between Past and Future)、2005年中國上海多倫現代藝術《快遞》(Express)、以及2005年慕尼黑文化代言人藝廊(Kulturreferentin der LHS Munich)的《上海驚喜》(Shanghai Surprise),以及2007年英國利物浦泰德美術館策劃的《真品:中國當代藝術》(The Real Thing: Contemporary Art from China)。

汪達.瑞曼帝.奧堤茲(Wanda Raimundi-Ortiz)
1973年生於紐約,目前生活和工作於紐約,1998年自紐約科大時尚學院(the Fashion Institute of Technology)取得應用科學學士學位後,2008年於紐澤西魯特格(Rutgers University)大學取得藝術碩士。自2004年,他曾先後在紐約的Longwood藝廊、2006年於紐約杭特大學(Hunter College)的波多黎各研究中心(The Center for Puerto Rican Studies)、以及2009年在紐澤西市立博物館(Jersey City Museum)等地舉辦個展。 聯展經歷包括2002年和2005年在紐約布朗克斯美術館(Bronx Museum of Art)所舉辦的《環》(Ring)與《AIM25》、2005年的紐約Barrio美術館(El Museo del Barrio的雙年展(El Museo’s Bienal)、2006年紐約出口藝廊(Exit Art)的《狂野女孩》(Wild Girls)、和同年在紐澤西市立美術館舉辦的《熱帶主義》(Tropicalisms),以及2008年紐約藝術家空間(Jersey City Museum)所策劃的《沙拉日》(Salad Days) 。此外,藝術家於2001年曾獲的「布朗克斯本色獎」(Bronx Recognizes Its Own Award),隨即在2002年獲贊助前往緬因州史科根繪畫雕塑學院(the Skowhegan School of Painting and Sculpture)進修。

富南.沙哈(Phu Nam Thuc Ha)
1974年生於越南胡志明市,目前居住和工作在胡志明市。1995年,他於泰國清邁學習青銅佛像雕刻和青銅鑄造,後於河內的美術學院主修繪畫和畫作修復,1997年畢業。沙哈分別在幾個長篇紀錄片、電視節目、短片,音樂影片,錄像裝置作品擔任攝影指導。他的作品更曾獲多個國際聯展展出,包括了2006年 亞太三年展(昆士蘭美術館)(Asia-Pacific Triennial of Contemporary Art),2007年德國卡爾斯魯爾 ZKM媒體藝術中心 《農民和直升機》展(The Farmers & Helicopters)以及同年的《父與子,成年禮》(Father & Son,Rite of Passage)展(Art Chicago)、2008年的《新加坡雙年展》(Singapore Biennale)、2009年比利時《城市視界節》(City Vision Festival, Belgium)和2009年奧地利林茲《精選雙年展》(Biennale Cuvee, Linz, Austria)。沙哈於2006年在胡志明市創辦了創意製作公司「螺旋槳藝術團隊」(Propeller Group),同時是藝術家自組非營利空間「聖藝術」(San Art)的共同創始者。

安德魯.阮俊(Tuấn Andrew Nguyễn)
1976年生於越南胡志明市,目前居住和工作於越南胡志明市。 1999年取得加州大學歐文分校的學士學位,並於 2004年於加州藝術學院取得碩士學位。安德魯.阮俊製作過一部劇情片和一些紀錄片,其中的作品曾獲邀參與國際電影節,如:2000年和2002年的「芝加哥亞裔電影節」(the Chicago Asian American Film Festival)、2005年「曼谷『瘋狂民主』:第四屆曼谷實驗電影節」(Bangkok Democrazy: 4th Bangkok Experimental Film Festival)、2005年「新加坡國際電影節」(Singapore International Film Festival)和2009年的「越南國際電影節」(Vietnamese International Film Festival)。同時,他的錄像作品亦參加多個國際聯展:包括2006年於澳洲布里斯班昆士蘭美術館舉辦的《亞太當代藝術三年展》(the Asia-Pacific Triennial of Contemporary Art),以及2008年在中國上海「可當代藝術中心」所舉辦的《在野策略》(Strategies from Within)。目前是「螺旋槳藝術團隊」」(Propeller Group)的成員之一。

柯塔.艾札伐(Kota Ezawa)
1969出生於德國科隆,目前居住和創作於美國舊金山。1995年畢業於舊金山藝術學院(San Francisco Art Institute),後於2003年取得美國史丹福大學(Stanford University)藝術碩士學位。曾先後於2007年在加拿大的艾米利.卡爾藝術學院(Emily Carr Institute)和查爾斯.史考特畫廊(Charles H. Scott Gallery)舉辦個展,2008年於紐約的莫雷.蓋畫廊(Murray Guy),以及2009年在美國俄亥俄州哥倫布市的衛克斯那藝術中心(the Wexner Center for the Arts)。聯展經歷則有:2009年於加州橘郡藝術中心(Orange County Museum of Art, California)舉辦的《動態影像:掃描至銀幕,像素到投影》(The Moving Image: Scan to Screen, Pixel to Projection)展和同年在俄亥俄州克里夫蘭當代藝術博物館的《超輕薄》(Superlight)展、2008年分別獲邀參展於韓國漢城美術館(Seoul Museum of Art)所策劃的第五屆《首爾國際媒體藝術雙年展》(the 5th Seoul International Media Art Bienniale)、美國華盛頓特區史密斯森博物館(The Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, DC)的《電影院效果:幻想,現實和動態影像之二:寫實主義》(The Cinema Effect: Illusion, Reality, and the Moving Image, Part II: Realisms)展,以及加州舊金山當代美術館的《1840至1900年,引向光明:攝影和其不可見性》(Brought to Light: Photography and the Invisible, 1840-1900)一展。此外,他曾於1995年獲得「德國杜塞爾多夫藝術學院研究生優秀獎」(Meisterschüler, Kunstakademie)、2002年「傑克和格特.魯德墨菲獎學金」(Jack and Gertrude Murphy Fellowship)、2003年「路易.康福.蒂芙尼基金會獎」(Louis Comfort Tiffany Foundation Award)、以及2006年「舊金山當代美術館鼓勵創作獎」(Society for the Encouragement of Contemporary Art)。

愛德溫.桑切斯(Edwin Sánchez)
1996年生於哥倫比亞波哥大城,現居創作於波哥大。2002年畢業於於波哥大豪爾赫泰德洛薩諾大學(Universidad Jorge Tadeo Lozano)工業設計系,後於2007年取得碩士學位。個展經歷:2007年於波哥大靜物藝廊(El Bodegón)、2010波哥大聖達菲文化中心藝廊(Galería Santafé del Planetario Distrital)、波哥大瓦倫蘇拉基納藝廊(Valenzuela Kienner Galeria)。聯展經歷:2006年哥倫比亞《卡利表演藝術節》(Festival de Performance de Cali)、2007年於哥倫比亞《Encuentro de Medellin MDE 07》、2008年波哥大跨領域實驗室《Despistando al Enemigo》、2009年波哥大羅哈斯皮尼利亞紀念館的《the 13th Salon Regional de Artistas Zona Centro》。

羅伯特.卡波(Robert Cauble)
生於夏威夷瓦胡島,現居住且創作於芝加哥。2005年自芝加哥藝術學院畢業。聯展經歷包括:2004年西班牙國家雷納索非亞藝術中心(Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia)《電影之於電影》(Cine y Casi Cine)展,2004的倫敦電影節(London Film Festival)、同年的荷蘭鹿特丹國際電影節(International Film Festival Rotterdam)、2005年立陶宛維爾紐斯當代藝術中心(Vilnius Contemporary Arts Center)《 CAC TV 》 、2005年紐約普遍藝術藝廊(Art in General, New York)《影像》(Video)、2005年倫敦當代藝術學院(Institute of Contemporary Arts, London)《影像視野》(Video Vision),以及2007年參與芝加哥街頭藝人畫廊(Busker Gallery ,Chicago)《還剩什麼?》(What Remains?)。他的跨域影像作品除了獲邀參加各大電影節外,另外,卡波亦曾策劃過兩個展覽,分別是:2004年於芝加哥蒙克之屋(Munkie Haus, Chicago)的《相對、逃離、樹:血緣的影像》(Relatives, Runaways, and Trees: Videos of Kinship),和2005年於芝加哥獨立電影協會(Chicago Filmmakers)的《一個與美國導演凱夫.沙黑戴相伴的夜晚》(An Evening with Caveh Zahedic)。

 

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Project 35 第一部份-作品簡介

放映區

投影間 (1月15日~1月30日)
電視放映(2月9日~2月20日)
 

作品簡介

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蓋.班納 Guy Ben-Ner
柏克利之島 Berkeley Island
1999年
單頻道錄像,彩色,有聲
15分鐘
藝術家提供

由梅.亞布.艾爾達哈(Mai Abu ElDahab)選出

在蓋.班納的諸多作品中,透過螢幕中重新編製的家庭生活試驗,觀賞者得以觀察存於真實自傳和虛構小說中被模糊的界線。他的影像巧妙地以一種符合普世道德觀點的形式呈現,並運用簡易低限的攝影手法、電影佈景、戲劇性的配樂與旁白,業餘演員等簡單的電影元素。作品亦可發現諸多對觀念藝術表演作品的參考,特別是丹尼斯奧本漢(Dennis Oppenheim),在他及與他同時代的創作具有將自己的身體當做實踐核心之特點。
〈柏克利之島〉(Berkeley Island)是班納早期的作品之一。影片中,他將被隔絕中的自我作為主題,並在廚房中再造了一個迷你沙島,如《魯賓森漂流記》的故事一般,用以展現自己在家庭環境中無依的狀態。影片名稱則間接提及哲學家喬治柏克利(George Berkeley)和其名言:「存在就是被感知」(to be is to be perceived.)。錄像中的主角在他的「島」上做了各式被視為「禁忌」的動作,像是自瀆和偷竊,然而在他的孤獨狀態中,所有行動在意義上卻也都不再「存在」。這件作品是對藝術家在社會中的位置,和其在電影於視覺文化影響的重要反思,甚至是對藝術家的家鄉–位於中東的以色列–被孤立位置的政治嘲諷。
–梅.亞布.艾爾達哈

 
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田口行弘 Yukihiro Taguchi
片刻 Moment(擷選)
單頻道錄像摘錄
「片刻–行為裝置」(Moment-performative installation),2分25秒
「片刻–述行漫步」(Moment-performative spazieren),4分30秒
「片刻–製作過程」(Moment-making),3分鐘23秒
單頻道錄像 ,無聲,彩色
2007-08
影片時間總長:10分鐘18秒。
藝術家提供

由片岡真實(Mami Kataoka)選出

田口行弘認為自己的藝術創作如同一件「行為裝置」(performative installation),在其中他藉由重新定義既存的實際空間,創造了一個新的裝置空間,以極低限的介入去增加它的意義。而在他的影像作品中,可以看見藝術家利用暫停動作以持續紀錄變化的過程,以此改變涉及傳統意義上的「時間感」。此外,在作品〈片刻〉(Moment)中,藝術家讓他工作室裡的普通地板活了起來,並遊歷了全柏林,展現了它在原本的使用中所沒有的可塑性和可能性。在影片中,觀眾看不到的或被留予想像空間的,是藝術家創作過程中搬動木板所付出的龐大勞力。儘管田口在〈片刻〉(Moment)系列作品中僅僅使用簡單的創意和傳統的方式去製作動態影像,但卻拓展了單頻道錄像的可能性,也讓我們以更有趣的方式去看待日常生活中隨處可見的普通事物。
–片岡真實

 

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丹.阿爾泰 Dan Halter
無題(辛巴威瑞舞女王) Untitled(Zimbabwean Queen of Rave)
2005年
單頻道錄像,彩色,有聲,3分33秒
藝術家提供

由凱瑟琳.史密斯(Kathryn Smith)選出

〈無題(辛巴威瑞舞女王)〉是丹.阿爾特甫從藝術學校畢業後所創作,同時也為他往後的作品定調:見證後殖民主義的心理情節中,總是一方面抱持希望,卻一方面又充滿抗拒的自我矛盾狀態。阿爾特的身份認同十分複雜,身為一個定居在南非的瑞士裔辛巴威公民,看著邊境外的辛巴威經濟和政治的崩潰,他該如何面對和確說自己的膚色(白人),和自己永遠是非在地的局外人,及注定身為異鄉人的命運?再者,這些問題是否在他的作品中顯而易見?如果是,他又該如何擺脫?
就像所有成功的政治宣傳,這部影片在感情和修辭層面上進行操作。辛巴威瑞舞女王羅札拉.米勒(Rozalla Miller)是在南非開始實行民主制度三年前,首位以〈每個人都有自由(感到快樂)〉(Everybody’s Free [to feel good])一曲被世界傳唱的辛巴威流行歌手(這裡具有自傳性質,因為丹阿爾特和羅札拉的兄弟約翰正好就讀同所高中)。有力的節奏伴隨歌手的歌聲,堅定積極地宣誓:「只要在一起,我們就能渡過難關。」,然這卻和影像不太協調。影像是由白人少年們在開放空間跳舞–代表90年代瑞舞文化先驅,和一幕幕大型抗爭與城鎮暴亂交織剪接而成。
這種並置且不穩定的剪接手法帶出一種危險詭譎的氣氛。一方面我們可以問,遊戲式地平行剪接異質文化和政治現實的狀況是恰當的嗎?或者,當政治危急動蕩時,這些南非青年卻在恣意放縱?他們起伏的身軀重擊著地面,揮舞雙手的姿態又如同那些抗議志士堅定憤慨地高舉拳頭。然若剝去兩者意識形態的差異,似乎可以發現彼此的共同點:對於另一種真實的渴望,它們皆將人們心理中的個人感受轉化成群眾意識。聽來簡單無害的一首流行歌曲,暗藏了政治訴求,也許這種做法,比單純表達沈悶陰鬱的世界政治狀態來得更具行動號召力。
— 凱瑟琳.史密斯

 

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周嘯虎
烏托邦機器
2002年
單頻道錄像,彩色,有聲
8分鐘
藝術家提供

由盧傑選出

中國藝術家周嘯虎最廣為人知的特色便是他的粘土雕塑裝置及黏土動畫影片。2002年他以作品〈烏托邦機器〉解構和重新詮釋了中國公共頻道所播送的制式新聞內容。這些試圖規劃設計的公播節目,其實是在灌輸和維持國家整體烏托邦式的形象。藝術家以中國社會主義歷史中真實和虛構的文化事件為例,運用黏土動畫人物重演了從70年代迄今數件中國國內以及國際的重要事件,包含尼克森在1972年的訪中行程、上海浦東90年代期間的開發,以及2001年的世界貿易中心雙子星大廈被攻擊等事件。
–盧傑

 
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汪達.瑞曼帝.奧堤茲 Wanda Raimundi-Ortiz
主題一:當代藝術 Topic 1: Contemporary Art
2006年
單頻道錄像,彩色,有聲
8分50秒
藝術家提供

由富蘭克林.瑟曼斯(Franklin Sirmans)選出

汪達.瑞曼蒂.奧堤茲(Wanda Raimundi-Ortiz)的主題一:當代藝術,是她以一位聰明、時髦的都會拉丁女孩楚蕾塔(Chuleta)為主角的影像三部曲中的第一部。瑞曼蒂.奧堤茲關注四處傳播的大量錄影作品,同時想要表達她在藝術學院體制外的感受,她試圖創造另外一種體驗當代藝術的環境─ 或許是更多先前沒有體驗過的觀眾會喜愛的方式。影片中主角楚蕾塔在紐約各個地點,以夾雜青少年文化的流行語與情境劇的表演方式,不遜地談論著「白盒子」(喻:美術館空間)及其體制對藝術所施加的觀點。言談中亦觸及後現代主義與身分政治,楚蕾塔「試著努力成為藝術與一般大眾(如你、我)之間的橋樑」,並聲稱自己的動機是「銜接藝術與社會的鴻溝,並試圖建立社群」。在創作手法上,奧堤茲採用易於親近的DIY美學,並藉由這個角色的演出,帶領我們探索著大眾頻道節目內容和真人實境秀的告白之間的電視文化。
–富蘭克林.瑟曼斯

 
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安德魯.阮俊(Tuấn Andrew Nguyễn)和 富南.沙哈(Phù Nam Thúc Hà)
呃… Uh…
2007年
單頻道錄像,彩色,有聲
7分鐘
藝術家提供

由柔伊.柏特(Zoe Butt)選出

安德魯.阮俊和富南.沙哈是越南胡志明市兩位最成功的藝術經營者。 他們多數的藝術創作關注被不同跨國文化頻道所傳達的當代生活狀態,並挑戰當代文化理念賴以生產與傳播的方法。
影片中,鏡頭擷取了胡志明市日新月異的都市景觀,更將觀者視覺的焦點放在新興青少年文化─一個塗鴉簽名上,引導觀者進入那瞬息萬變的城市生活,並為自我表達創造新的策略。我們看見來往的行人行經牆上被塗鴉入侵的公共空間,摩托車亦漫不經心的從旁經過,慢慢地,我們發現我們正在觀看的其實是藝術家腦子裡所想像的風景。
在越南,藝術的表達自由受到高度控制,公共空間的使用也被當地政府嚴密監控。〈呃…〉這件作品探討的不並只是越南的文化與景觀的轉變,同樣也對正在變遷的現實提出質疑,使觀眾從中思考這轉變究竟是確實的,亦或是可能的未來的瞬間幻象?
–柔伊.柏特(Zoe Butt)

 
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柯塔.艾札伐 Kota Ezawa
藍儂、桑塔格與波依斯 Lennon Sontag Beuys
2004年
單頻道錄像,彩色,有聲
2分10秒
藝術家與舊金山漢斯(Haines Galler)藝廊提供

由康斯坦斯.萊沃倫(Constance Lewallen)選出

在〈藍儂、桑塔格與波依斯〉(Lennon Sontag Beuys)的作品中,舊金山藝術家柯塔.艾札伐(Kota Ezawa)藉由著數位動畫重建過往20世紀以來三個重要的的文化指標性人物和與他們有關且對後世影響深遠的事件。 在動畫的表現手法上,他巧妙地擷取這些人物的基本特徵,所以當我們在觀看的時候,即能一眼辨認出這些主角為何許人也。首先,影片的第一個部分表現的是,約翰藍儂(John Lennon)和小野洋子(Yoko Ono)於1969年在阿姆斯特丹度蜜月時所發起的抗議運動「床上靜坐」(Bed-in for Peace)中,堅稱只有「非暴力」(Non-Violence)才是通往和平的唯一道路;接著,我們看見藝術評論家蘇珊桑塔格(Susan Sontag)於2001年紐約哥倫比亞大學的一場演講中,談及攝影的潛在性質是能作為今日抗爭奮鬥的一項利器;最後,德國著名的行為/觀念藝術家喬瑟夫波依斯(Joseph Beuys)於1974年在社會研究新學院(New School for Social Research)所舉行的「給西方人賦活計畫」(Energy Plan for the Western Man)的巡迴演講中述及其「藝術即為社會雕塑」的概念,認為藝術能夠為當時的西方社會注入新的活力以及促成積極的社會改變。這三段影片都堅信著藝術家們對於社會的責任感是超越所謂「自我表達」(self-expression),並認為藝術「可以」,也「應該」成為讓世界更為良善的影響力。此外,隱藏在這部影片背後的反思是:這樣的理想主義在今日社會是否合乎時宜。
-康斯坦斯.萊沃倫

 
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愛德溫.桑切斯 Edwin Sánchez
刀的教學 Clases de cuchillo
2006-07年
單頻道錄像,彩色,有聲
8分16秒
藝術家提供

由荷賽.羅卡(José Roca)選出

愛德溫.桑切斯自他所生長與工作的南美州哥倫比亞國內取材,並藉由影像去處理這些形形色色的暴力形式。他的錄像作品,以及他在片中的行為,雖然粗糙且令人不安,但同時卻深具幽默與諷刺意味。 桑切斯一直以來都試圖在其創作中探討何謂「道德」、 「倫理」、何謂「合法」,何謂「剝削」?以及這些概念的曖昧與矛盾。如同他曾經在其錄影作品中,拿紙箱去蓋住一個在城市路頭行乞的跛腳乞丐,除此之外,他也曾從波哥大(Bogotá)的大街上偷走整整一平方公尺的行道石。
於是,在〈刀的教學〉-短短三個場景的犯罪訓練課程-桑切斯拍攝了其在波哥大街頭所認識的一個有毒癮的搶劫犯,對方向他詳細解釋如何製作一個克難刀,以利用它來搶奪或是搏鬥。在影片中,藝術家本人並沒有出現,但我們可以在來往的對話間聽見他的聲音,以及他如何去誘導被拍攝者做出回答。首先,在第一個場景中,這個被攝者在紙上畫出各式刀款,並且說明每種刀的特殊用途與優、缺點。接著,他用碎鋸片和廢棄塑膠杯做了一把小刀,而後向藝術家示範怎麼用它來攻擊和防禦,甚至殺人。然而,藝術家以一種平淡、不帶情緒的方式,將這三個動作場景以三種不同的藝術語言來呈現:分別是繪畫(畫刀)、雕塑(製作刀)、和表演(如何用它來攻擊防禦)。一方面這些影像是深具吸引力卻同時也引起反感的,觀者在觀看中會對這個直率的貧困者產生移情作用和同理心,隨即卻也不斷提醒著自己他口中所描述之事又是多麼地殘暴無情。
–荷賽.羅卡

 
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羅伯特.卡波 Robert Cauble
「愛麗絲夢遊仙境」,或「誰是紀德伯?」 Alice in Wonderland, or Who Is Guy Debord?
2003年
單頻道錄像,彩色,有聲
23分20秒
藝術家提供

由雷蒙達斯.瑪拉沙斯卡(Raimundas Malasauskas)選出

從路易斯.卡羅(Lewis Carroll)於1865年所著的小說《愛麗絲夢遊仙境》(Alice’s Adventures in Wonderland)發行以來,前後出現了許多不同的版本,譯為多種語言,於不同媒體中重新詮釋,其中有些與原著相差甚大。各版本的愛麗絲似乎都有屬於自己的「仙境」,而一年年隨著不同的製作、改編的風格、以及翻譯語言的差異不斷地改變著這個故事。但是最首要的還是愛麗絲這個角色自己的「轉變」。
在作品中,羅伯特.卡波把迪士尼版本的愛麗絲送到一個不是她原先期盼的世界,以一種殘酷卻有富有娛樂性的方式去述說紀德伯(Guy Debord)的「景觀社會」理論。我們看見會說話的紅色花朵以饒舌樂的方式唱出「情境主義宣言」(Situationist manifesto);柴郡貓也用自身的腳步解碼了空間中的線索;隨後出現卡拉OK式的字幕又將歷史胡搞了一番,最後,愛麗絲的夢遊仙境之旅以一支盛大的音樂錄影帶作結。當她身在其中,才發現自己其實也是那個環境中的一部份,然而她依舊試圖逃離。與其他版本的愛麗絲相較,這個愛麗絲改變得較大、也充滿更多異端思想。我們會好奇,最後愛麗絲究竟回到了哪裡?也許正是她來自的那個世界、那個讓她想極力擺脫的邪惡景觀世界。卡波以強大的熱情與精準度,改編了迪士尼卡通,即使我身處的景觀社會中有不少缺點,我還是希望自己能成為藝術家筆下的愛麗絲。後來Youtube就出現了。
–雷蒙達斯.瑪拉沙斯卡

 

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聲音與時代系列座談 第一季

這裡說的「聲音」指的是我們每天都會聽到的「音樂+噪音」;這裡說的「時代」,指的是我們身處台灣所感受到種種變化的歷史。

如果說,聲音是能量的形式,時代由人類的能量所推進,那麼,聲音與時代之間,存在著什麼樣相互影響的關係?

由TheCube立方計劃空間主辦的「聲音與時代」系列座談將邀請「製造聲音的人」,從社會、文化、政治、產業、媒體、空間等等的變化來探討時代與聲音相互的影響。

 

第一場:「聲音與時代:我們這個時代的聲音」- 張鐵志與羅悅全對談

2010.11.17(三) 晚上7:30

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從《聲音與憤怒》、《反叛的凝視》到最近新出版的《時代的噪音》,作家張鐵志像是說書人,又像是火炬的傳遞者,用一篇篇搖滾與反抗的故事,挑起台灣搖滾青年心中沸騰的熱血。

這系列座談特別邀請張鐵志開場破題,與網路文化觀察者—「音謀筆記」部落格的羅悅全(Jeph)共同介紹他們在台灣成長到大所聽到的歌曲,和這些歌曲與我們這個時代的關係。

 

第二場:「台灣社運歌曲的歷史:黑手那卡西的社運音樂實踐」- 陳柏偉與張鐵志對談

2010.11.27(六)下午2:00
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黑手那卡西成立於1996年,是台灣第一支由工運組織者與工人組成的工人樂隊。從早期以音樂詩歌直接進入抗爭現場,到現在積極走入群眾,協助工人、弱勢者用自己的語言,唱自己的歌。 無論是音樂還是概念,黑手那卡西都是台灣最前進也最具行動力的樂團。

黑手那西卡的團長陳柏偉將在這場與作家張鐵志的對談中,分享他十多年來以音樂介入社運的實踐經驗。

 

第三場:「樂在人和 不在音賦:超越音樂的型式 探索時代的未來」— 林強與羅悅全對談

2010.12.11(六) 下午 2:00

limgiong

從九〇年代的「新台灣歌謠運動」、電音時代的「和Party」、「Bit Everysound」,到網路時代的「創用CC授權音樂」,創作與行動不綴的林強,其作品的創意、風格與概念隨著時代演進,但根著土地的基本精神從未改變過。

在這個充塞種種音樂風格的喧嘩時代裡,他的聲音是如此地謙遜卻又如此地堅定。在這場座談中,林強將回到根本,分享他音樂創作生涯的信念。

《親歷幻見》展覽手冊

《親歷幻見》(Traversing the Fantasy)邀請六組藝術家:法國的朱利安.佩維厄(Julien Prévieux)、美國及古巴的雙人組阿羅拉及卡札德拉(Allora & Calzadilla)、丹麥的Superflex(三人團體),以及台灣的影像藝術家崔廣宇、年輕藝術家吳長蓉,及以攝影為主要創作媒材的藝術家劉和讓。形式包括:錄影裝置、平面輸出、文件及多媒體作品。

《親歷幻見》主題聚焦於存在於當代生活中各種「可見」與「不可見」的「系統」對於個人生活的制約和其影響,並試圖從不同藝術家創作中看見人們於現實生存中之對應能力與想像力。

線上閱覽 >>

9/5晚上,街頭派對,林強在公館夜市陽台DJ

9月5日(週日)晚上6:30至8:00,林強將在公館夜市巷弄的陽台上DJ。

這是theCUBE主辦的視覺藝術展覽《親歷幻見-part2》的開幕活動。我們向 theCUBE 周邊的店家告知林強將來擔任DJ,店家問:「林強?現在年輕人都不認識他了吧?」

其實年輕人沒有忘記林強,而且有一批年輕人深深受林強的啟發和影響,他們是台北電音新世代。

聲音藝術家姚仲涵說,讓他決定走向聲音藝術的機緣,是在2000年代中,參加了林強發起的戶外實驗電音派對「和 Party」。

Techno派對籌辦團隊耳朵蟲的主腦Databass說,他的啟蒙唱片是林強 1994年的專輯《娛樂世界》。

今年7月17日於永福橋下舉辦的「有機派對」,主場是林強的電音現場表演,現場擠得水洩不通,觀眾頻頻為林強精彩的演出歡呼。

林強,曾經是「偶像歌手」,又是「新台灣歌謠」的重要人物、侯孝賢電影的演員,也是戶外電音派對「和」的發起人,還是於Legacy 「Sound Bit」表演的聲音藝術家。

從流行到文藝、從傳統到科技、從大眾到前衛。這就是林強。

我們沒有忘記林強。9/5日晚上6點半,在公館夜市,你可以買杯珍奶、雞排、滷味、豬血糕、叉燒飯, 邊吃邊聽林強在「theCUBE立方計劃空間」的陽台播放電音。派對不能沒有啤酒,附近超商就有賣,但是,這裡還是強力推薦 theCUBE 所準備的生啤酒:倍受好評、二度與台北雙年展藝術家Superflex 合作的「北台灣麥酒」。

又:theCUBE樓下的「香濱燒臘」道地港味又多汁,若還沒吃晚飯,也推薦你點個叉燒飯、叉鴨飯便當品嚐看看。